Новинки Юрия Астахова

Тициан Вечеллио – один из самых крупных художников в мировой живописи. Проживший более девяноста лет и трудившийся до последних дней, он вошел в изобразительное искусство как непревзойденный колорист, пионер многих открытий в большинстве жанров живописи, как автор многих непревзойденных произведений, на которых учились и продолжают учиться последующие поколения художников. Родился будущий мастер в городке Пьеве ди Кадоре в предгорьях Альп. С десяти лет постигал художественное дело в Венеции. Работал в мастерской братьев Беллини, а с 1508 года исполнял вместе с Джорджоне фрески в одном из общественных зданий города. Непродолжительные совместные работы с великим мастером Возрождения закончились в 1510 году, когда Джорджоне трагически умер во время эпидемии чумы. Считается, что Тициан закончил некоторые работы своего друга-учителя. А уже в 1516 году Тициан становится официальным художником Венецианской республики, оставаясь на этой почетной должности до самой смерти. Десятки шедевров на религиозные, мифологические, аллегорические сюжеты, прекрасные портреты и пейзажи высоко возносят художника. С ним желают познакомиться, видеть своим придворным живописцем сильные мира: правители областей и городов Италии, французский король Франциск I, испанский император Карл V, а потом и его сын Филипп II Испанский. Для них Тициан исполнял многочисленные заказы. .В жизни художника бывали периоды, когда он корректировал свое творчество, и в нем порой появлялись существенные новшества. Интересной была поездка живописца в Рим, где он познакомился с творениями мастеров Вечного города (с фресками Микеланджело, «Страшный суд» в числе других) и представил на суд художественного сообщества свои произведения. По легенде, Микеланджело выразил восхищение «Данаей» Тициана, хотя и отметил некоторую нечеткость рисунка. К началу 1560-х годов эта «нечеткость» стала все более просматриваться в произведениях живописца. Вазари отмечал, что работы последнего периода творчества Тициана «написаны смелыми, стремительными мазками, цветовыми пятнами так, что лишь на расстоянии являют свое совершенство».

Андерс Цорн был прекрасным пейзажистом, мастером акварельных работ и офортов. Известен также своими
скульптурными произведениями. Он один из тех художников Швеции, творчество которых способствовало развитию
национального искусства. Его детство прошло на крестьянской ферме недалеко от городка Мура (область Далекарлия
на юге Швеции). Образование получил в Академии художеств Стокгольма (1875-1881). Становление Андерса Цорна
проходило во время длительной поездки по странам Европы. Он побывал в Италии и Испании, где изучал творчество
великих мастеров предшествующих времен, жил и работал в Англии (1882-1887), освоив популярную среди английских
художников технику акварели, восемь лет (1888-1896) начинающий приобретать известность Цорн пробыл в Париже,
где познакомился и с работами импрессионистов, оказавших заметное влияние на его творчество.
С 1896 года Цорн живет и работает в знакомом с детства селении Мура. Связь с родиной быстро сказалась
на содержании его произведений. В конце 1890-х художник, явно под влиянием Ренуара, начинает создавать
свою знаменитую серию обнаженных женщин, главными героинями которой становятся местные молодые крестьянки,
изображенные среди природы или интерьера. Однако, живя в родных местах, Андерс Цорн не был затворником -
он шесть раз побывал только в Америке, где стал широко известен как автор портретов политических деятелей,
влиятельных людей, коллекционеров. Художник совершал частые поездки и в Париж, где у него было много друзей.
Некоторые сюжеты парижской жизни нашли свое воплощение на полотнах шведского живописца.

Книга представляет главные полотна Бориса Михайловича Кустодиева. Его красочные, отчасти ироничные картины полны любви к народу и доброты к окружающему миру и заражают веселостью каждого на них смотрящего.
Серия "Большая художественная галерея" представляет наиболее известные картины Бориса Михайловича Кустодиева. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.

Прекрасная печать уникального альбома с шедеврами мировой живописи позволит оценить художественную значимость произведений великих мастеров прошлого. Приобщившись к изобразительному искусству, мы почувствуем: наша жизнь приобрела новые краски. Переплет ручной работы. Натуральная переплетная кожа. Каптал из шелковых нитей. Ляссе шелковое. Обрез торшонированный золотой фольгой. Украшение переплета: тиснение полиграфической фольгой, полиграфическая вставка с сюжетами картин.

Джузеппе Арчимбольдо, большой оригинал и фантазер, наиболее всего известен своими портретами-натюрмортами, составленными из многочисленных структур цветов, овощей и фруктов. Он был популярен среди своих современников, однако после смерти его слава угасла. Вновь интерес к творчеству Арчимбольдо вспыхнул в 30-е годы XX века, когда начало набирать обороты искусство сюрреалистов.
Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.

Иллюстрированный альбом познакомит с жизнью и творчеством Анри Фантен-Латура, французского художника XIX века, современника импрессионистов, но шедшего своим путем.
Известный французский художник второй половины XIX века Анри Фантен-Латур было близок с молодыми Альфонсом Легро, Эдуаром Мане, Эдгаром Дега, Джеймсом Уистлером. Уже в период становления он заявляет о себе как о разностороннем художнике. Начинает как портретист - со временем его портреты становятся весьма мастеровитыми и потому популярными. Особую известность принесли художнику групповые портреты друзей: "Батиньольская студия", "У пианино", "За столом". Возможно, в часы отдыха живописец писал исключительно привлекательные натюрморты. После поездок в Англию, где гостил у Уистлера, он проникся творчеством прерафаэлитов, со многими художниками этого направления был знаком. Под их влиянием и из большой любви к музыке стал создавать композиции, наполненные аллегориями, фантастикой, музыкальными видениями.
Художник исполнил также серию литографий, иллюстрирующих музыку некоторых композиторов-романтиков.
Современник импрессионистов, Фантен-Латур имел много друзей среди них, но не разделял их взглядов на живопись и никогда не участвовал в выставках импрессионистов. Французское правительство высоко оценило вклад Анри Фантен­Латура в национальное изобразительное искусство, наградив его в 1879 году орденом Почетного легиона.

Богато иллюстрированный альбом познакомит с жизнью и творчеством одного из ведущих венецианских живописцев XVI столетия Паоло Веронезе (настоящее имя Паоло Кальяри).

Альбом посвящен творчеству художника Ивана Ивановича Шишкина, уникальному явлению в русской пейзажной живописи. Учился будущий великий пейзажист в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1852–1856). Продолжил художественное образование в Императорской Академии художеств в Санкт­Петербурге (1856–1860) под руководством профессора С.М. Воробьева. Живописные работы И. Шишкина знакомы всем нам с детства и всегда ассоциируются с русской природой. Так о художнике писал ведущий отечественный критик того времени В.В. Стасов: «Шишкин… взял себе в удел… русский лес, с любовью изучил его и много раз передавал в бесчисленных картинах и этюдах, с великим мастерством и живописностью». Но следует упомянуть о другой стороне неповторимого дара художника, ныне менее известной. Рисунки И.И. Шишкина пером, карандашом и углем всегда вызывали изумление и восхищение профессионалов, любителей и даже его учителей  в годы обучения. Шишкин­офортист равновелик Шишкину­живописцу.
Книга с классическими пейзажами русской природы может быть интересна не только любителям живописи, но и послужить отличным подарком для каждого и по любому случаю.

Богато иллюстрированный альбом познакомит с жизнью и творчеством знаменитого испанского художника XVII века Диего Родригеса де Сильва Веласкеса.
Жизнь Диего Родригеса де Сильва Веласкеса внешне удивительно незамысловата. Уроженец южноиспанской Севильи, он в 1623 году становится придворным живописцем молодого испанского короля Филиппа IV и пребывает в этой должности до конца своих дней, совершив за свою сорокалетнюю службу лишь два путешествия в Италию. Первое в 1629 году по совету великого Рубенса, побывавшего в Мадриде с дипломатической миссией и за восемь месяцев, проведенных в Испании, много общавшегося с Веласкесом. После возвращения на родину художник создает одно из самых значительных своих полотен — "Сдача Бреды". К тому времени он уже автор ряда интересных работ — "Кузница Вулкана", "Триумф Вакха", а также знаменитых портретов членов королевской семьи, государственных деятелей и придворных.
В 1649 году Веласкес во второй раз отправляется в Италию с целью закупки картин для королевского двора. Находясь в Риме, художник написал два портрета, принесших ему европейскую славу. Это портрет его ученика Хуана де Парехи и настоящий шедевр портретного искусства — "Портрет папы Иннокентия Х", про который сам глава католической церкви отозвался: "Слишком правдиво". Видимо, также в Италии Диего Веласкес создает и удивительное для испанской живописи того времени изображение обнаженного женского тела — "Венера с зеркалом", полное жизни и красоты.
1650-е годы ознаменованы полотнами Менины и Пряхи, ставшими вехами в мировом изобразительном искусстве и подтвердившими высочайший уровень мастерства большого явления в живописи — Диего Веласкеса.

Серия «Большая художественная галерея» представляет великие работы Василия Васильевича Верещагина. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи. «Всем великим завоевателям, прошедшим, настоящим и будущим». С этим посвящением, написанным самим художником на раме картины Апофеоз войны (1871) - пирамиды черепов на выжженной земле, знаком каждый любитель живописи нашей страны.
Василий Васильевич Верещагин, автор картины и посвящения к ней, прожив полную драматических событий жизнь художника и человека, завершил ее вовсе трагически - в пучине Тихого океана вместе с командой броненосца «Петропавловск» во время Русско-японской войны.
По семейной традиции юный Верещагин, несмотря на рано проявившийся талант к живописи, получил военное образование. Правда, это не помешало Василию Верещагину окончить Рисовальную школу Общества поощрения художников, а затем и Академию художеств. Далее жизнь, до краев наполненная запланированными и вынужденными путешествиями; участием в сражениях войн, которые вела Россия; сотнями этюдов и десятками картин; преклонением перед талантом и позицией художника, обвинениями в отсутствии патриотизма и негодованием высших военных кругов. Всего хватало в жизни В.В. Верещагина с избытком.
В 1867-1869 годах В. Верещагин - доброволец в военных туркестанских походах, за личную храбрость награжден Георгиевским крестом. Итогом участия в боевых действиях стала его по сути антивоенная Туркестанская серия, в картинах которой нет и намека на парадность военной службы. Напротив - кровь, отрубленные головы, убитые и раненые русские солдаты. В 1874 году из-за нападок за реальность изображаемого художник уезжает в Индию, где живет около двух лет. Итог поездки - замечательные пейзажи, в их числе знаменитый Мавзолей Тадж-Махал в Агре. В 1877-1878 годах - участник действующей армии в Русско-турецкой войне, тяжело ранен. Картины Балканской серии, показывающие не только героизм русского солдата, но и часто бездушное отношение к нему со стороны военного начальства, снова вызывают восторг демократических слоев населения и недовольство высших военных кругов. История повторяется: В.В. Верещагин снова вынужден уехать вначале в Индию, затем на Ближний Восток. И так да конца жизни: работа - путешествия - работа. Он выставляет свои картины в США, много путешествует по России, побывал на Филиппинах, Кубе, еще раз в США, в Японии. В 1901 году выдвигался кандидатом на первую Нобелевскую премию мира.
Очередная военная командировка Василия Васильевича Верещагина оказалась последней. Его же предупреждение великим завоевателям по-прежнему остается в силе.

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.
Одна из интереснейших загадок природы - наделение человека талантом в конкретной области человеческой деятельности. Зададимся вопросом: как мог сын сапожника и недавней крепостной крестьянки из далекого от центров изобразительного искусства города Хлыновска Саратовской губернии Кузьма Сергеевич Петров-Водкин стать видным, ярким живописцем предреволюционной и советской России? Великое таинство.
А начал свой путь художник в иконописной мастерской, продолжил в классе рисования самарского учителя Ф. Е. Бурова, в Петербурге (с 1895) посещал училище Штиглица и в 1897 году перешел в мастерскую В.А. Серова в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, которое окончил в 1905 году. Далее следует поездка в Европу, где Кузьма Сергеевич Петров-Водкин знакомится и с современным искусством, и с работами старых мастеров. Побывает художник в Греции и Алжире, что даст ему новые впечатления, которые воплотятся в многочисленные этюды.
Вернувшись в Россию, Петров-Водкин полностью отдается творчеству. Одна за другой появляются его картины, в которых за внешним влиянием различных художников и течений можно различить рождение самобытного русского художника. Широкую известность приносит ему картина «Купание красного коня» (1912). Далее следуют картины, поэтизирующие образ матери, русской женщины. В них как бы сосредотачиваются традиции русской иконописи, живопись мастеров Возрождения, образы крестьянок Венецианова. И при этом они - произведения состоявшегося художника - Петрова-Водкина. Впереди будет много полотен. Среди них такие этапные, как «Смерть комиссара» (1928), «Тревога» (1934).
Вся творческая деятельность К.С. Петрова-Водкина представляет значительное явление в русской живописи XX века. В обращении к своим ученикам художник призывал: «…не учить, не развлекать вы должны, а светить…». Именно это Петров-Водкин доказывал всем своим искусством.

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.
Книга предлагает к просмотру шедевры великого художника-мариниста Ивана Константиновича Айвазовского. Живший большую часть жизни у моря он, как никто другой, понимал и передавал могучую стихию. Один из лучших мировых художников-маринистов, Иван Константинович Айвазовский сумел свою проникновенную любовь к морю перенести на полотна. Ему удалось постичь суть как бушующей, сметающей все на своем пути стихии, так и тихого, умиротворенного океана. Закаты и рассветы, летние пейзажи, передающие все природные яркие краски теплого побережья, и бело-серые зимние замерзшие моря; корабли, будто летящие по водной глади, и люди, поверженные в самую пучину бури, – все это Иван Константинович изображал с такой точностью, с такой проницательностью, что его полотна кажутся чем-то невероятным.
Родившийся на берегу Черного моря в небогатой армянской семье Иван Константинович Айвазовский с детства впитал любовь к водной стихии во всех ее состояниях – от полного штиля до чудовищных по мощи и высоте волн во время штормов.
Одаренный юноша особенно проявлял свои способности в рисовании и в музыке. Его рисунки случайно увидел феодосийский градоначальник А.И. Казначеев, который помог молодому дарованию стать учеником симферопольской гимназии. Н.А. Нарышкина начинает хлопоты по зачислению Ивана Гайвазовского на казенное содержание в петербургскую Императорскую академию художеств. (Родители будущего художника переехали из Польши в Феодосию, имея начертание фамилии на польский манер. Через четыре года после окончания Академии Иван Константинович сменит фамилию на более привычную для русского уха, став Айвазовским.)
С 1833 по 1837 год Иван Гайвазовский обучается в Петербурге в Императорской академии художеств. Какое-то время Иван Гайвазовский занимался в батальном классе профессора А.И. Зауервейда, известного своей тщательностью в исполнении военных мундиров. В 1837 году фактически закончились занятия начинающего художника в Академии – за несколько морских пейзажей он получил большую золотую медаль и право на пенсионерскую поездку вначале в Крым, а затем и в Европу.
Российскую и европейскую известность принесли теперь уже И.К. Айвазовскому картины, написанные им во время его путешествия за рубеж (1840–1844). Поездка в Италию началась с Венеции, города с исключительно высокой живописной культурой. Здесь он изучал не только великих классиков Возрождения, но и более поздних мастеров городского пейзажа, который естественно не мог быть без видов с изображениями моря. В Италии выработался стиль Айвазовского при работе над картинами. Сам живописец отмечал, что ему совершенно не подходит работа на натуре. «Непременное условие моей мастерской – гладкие стены, не обвешанные ни картинами, ни эскизами. Удаление от местности, изображаемой на моей картине, заставляет лишь явственнее и живее выступать все ее подробности в моем воображении», – писал И.К. в «Автобиографии». Художник с феноменальной зрительной памятью, способный воспроизводить через какое-то время малейшие нюансы увиденного моря, к тому же работающий быстро, уверенно и мастеровито, – просто обречен на быстрый успех. В 1844 году ему присваивают звание академика, в этом же году он становится живописцем Главного морского штаба, с 1847-го И.К. Айвазовский – профессор Академии художеств.
«Маринист Айвазовский по рождению и по натуре своей был художник совершенно исключительный, живо чувствующий, самостоятельно передающий, может быть, как никто в Европе, воду с ее необычайными красотами», – напишет о нем отечественный художественный критик В.В. Стасов. В своем стремлении познать и запечатлеть новые для себя места

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.
Виктор Михайлович Васнецов (1848–1926), наверное, первым из великих русских художников своими былинными картинами, картинами-сказками входит в наше детство, и менее знакомы мы с жанровыми картинами первого периода творчества живописца, его портретами.
В.М. Васнецов родился 3 мая 1848 года в Вятке. В 19 лет он отправляется в Санкт-Петербург. В российской столице молодой провинциал вначале под руководством одного из лидеров вскоре возникшего Товарищества передвижных художественных выставок И.Н. Крамского учился в Рисовальной школе Общества поощрения художников (1867–1868), затем постигал искусство рисунка и живописи в Академии художеств (1868–1874), формируя свой посланный свыше талант. Уже с Автопортрета 1873 года на нас смотрит одухотворенное, устремленное в неизвестность лицо молодого художника.
В те годы в русской живописи все больше вступала в свои права весна художников-передвижников, которая, естественно, вовлекла Виктора Васнецова, откликнувшегося на нее своими жанровыми картинами: Нищие певцы (Богомольцы), Книжная лавочка, С квартиры на квартиру и другие.
Переезд молодого художника в Москву (1878) совпал с резкими переменами в содержании его творчества. Однако в эти же годы Васнецов создает замечательные портреты близких ему людей (например, Портрет В.С. Мамонтовой – один из шедевров русской портретной живописи последнего десятилетия девятнадцатого столетия).
Наконец, было у В.М. Васнецова свое подвижническое десятилетие (1885–1896), когда он первым из художников принял приглашение участвовать в росписи собора Святого равноапостольного князя Владимира в Киеве, который тридцать семь лет строился на народные пожертвования. Расписавшего около трех тысяч квадратных метров собора (алтарь, центральная часть, иконы главного иконостаса), Виктора Михайловича по праву можно отнести и к ведущим отечественным христианским живописцам, которые пытались постигнуть святое и вечное в человеческой жизни, внушить человеку спокойствие, уверенность и, если надо, утешить его.
Творчество Виктора Михайловича Васнецова огромно. Художник, помимо живописных и графических работ, свершил многое, чем восхищались его современники и восхищаются ныне живущие россияне. Здание Третьяковской галереи выполнено по проекту Виктора Михайловича. Им же спроектированы церковь и часовенка в подмосковном Абрамцеве. Там же по его проекту построен дом – «избушка на курьих ножках». Виктором Васнецовым выполнены мозаичные работы в православном соборе в Варшаве и в небольшой православной церкви последней русской императрицы в немецком Дармштадте. В Болгарии, в Софии, живописец участвовал в написании образов для собора Святого Александра Невского. Художник оформлял спектакли (оперы Снегурочка, Русалка), иллюстрировал книги, в частности А.С. Пушкина.
Умер великий русский художник в Москве 23 июля 1926 года.

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.
Поль Сезанн (1839–1906), художник, оказавший на новейшее искусство ХХ века огромное влияние, за год до смерти подытоживал свои взгляды на творчество так: «Лувр – это книга, по которой мы учимся читать. Мы, однако, не должны довольствоваться только прекрасными формулами наших знаменитых предшественников. Выйдем за их пределы, чтобы изучать прекрасную природу, постараемся освободить от них наш дух и выразить себя, следуя своему личному темпераменту».
Родился будущий художник в городке Экс на юге Франции в семье преуспевающего банкира. Поль получил прекрасное общее образование, увлекался литературой, писал стихи, окончил муниципальную школу рисования, занимался юриспруденцией и какоето время работал в банке. В начале 1860-х Сезанн посещает художественное ателье Сюисса, где за весьма скромные деньги можно было писать натурщиков. В авторитетную Школу изящных искусств двадцатидвухлетний Поль не поступил – отборочная комиссия отклонила представленные им портреты и автопортрет, сочтя их слишком «буйными». Вторую половину 1860-х Сезанн проводит в напряженной работе, регулярно представляет свои произведения в Салон – выставочный центр, курируемый Французской Академией изящных искусств, и столь же регулярно жюри Салона их отклоняет. Постепенно Сезанн закрепляет в своих работах те органичные для него черточки живописи, которые в недалеком будущем станут основой стиля художника. Сезанн начинает обдуманно строить пейзажи и натюрморты, которым уделял много внимания. Он проявляет значительный интерес к прямой линии, к отделке очертаний предметов и зданий в своих работах. Работа в Понтуазе, куда по приглашению Писсарро Сезанн приехал с женой и сыном, стала важным этапом в творчестве художника. Красивые берега реки Уазы, работа с Писсарро над одними и теми же видами значительно высветлили палитру Сезанна, позволили ему оценить особую роль света при создании пейзажей и натюрмортов.
В 1874 году Поль Сезанн, наряду с Моне, Ренуаром, Писсарро, Сислеем и другими живописцами, участвует в выставке художников, вскоре получивших название «импрессионисты». Общий ее неуспех приводит Сезанна к решительному отходу от этого движения. Он уединяется, чтобы, по его словам, «превратить импрессионизм в нечто основательное и долговечное, подобное искусству в музеях». Последующие годы Сезанн провел, работая на юге Франции, в окрестностях Парижа и в самой столице, создал сотни пейзажей и натюрмортов, писал портреты и впечатляющие автопортреты. В конце 1895 года Амбруаз Воллар, известный торговец произведениями искусства, представил большую ретроспективную выставку Сезанна. Это был первый персональный показ его работ, ставший откровением даже для тех, кто хорошо знал творчество художника: Ренуара, Моне, Писсарро. Выставка имела успех. С ним для Сезанна пришла широкая известность.
Творчество и жизнь Сезанна дают толчок для размышлений художникам следующих поколений. «Важно не то, что художник делает, но то, кем он является, – сказал о Сезанне Пабло Пикассо в 1935 году. – Безграничное упорство – вот чему он учит нас».

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно.
Книга предлагает к просмотру серию живописных полотен великого русского художника Аполлинария Васнецова.
Аполлинарий Михайлович Васнецов родился в 1856 году в семье священника. Когда ему было десять лет у него умерла мать, через четыре года он лишился и отца. Брат Виктор овладевал живописью в Петербурге. Аполлинарий стоически перенес сложное для себя время. Юноша учился в Вятском духовном училище, но не забывал и рисование. После окончания духовного училища он в 1872 году отправляется в Петербург, однако его попытка поступить в Академию окончилась неудачей. В это время у него растет интерес к литературе, геологии, астрономии. После трех лет пребывания в российской столице Аполлинарий возвращается в Вятку, сдает экзамены на звание народного учителя и идет образовывать крестьянских детей.
Вскоре Аполлинарий Васнецов возобновил напряженные занятия живописью. О своих главных учителях художник писал: «Одним из сильнейших внешних побуждений было, бесспорно, влияние брата Виктора, уже сложившегося художника… Причиной особого предпочтения И. Шишкина перед другими художниками была вятская природа: леса, поля и дали; они общие для нас обоих: и я, и он выросли в вятских лесах… Когда появились пейзажи Куинджи, то обаяние Шишкина отошло на второй план… В пейзажах Куинджи меня поражали свет и пространство – одно из первых основных начал пейзажа, которое он так явно сумел поставить».
Перед молодым художником в период его становления стояла сложная задача – соприкасаясь с творчеством великих русских живописцев, впитывая их идеи, наблюдая за их работой, найти свой стиль, свое видение живописи. Поэтому уже в первых этюдах и работах А. Васнецова, относящихся к началу 1880-х годов, начинает угадываться набирающая силу самобытная живопись мастера. И вот уже сам Павел Михайлович Третьяков начинает присматриваться к младшему брату Виктора Васнецова, а в 1883 году приобретает для своей галереи работу Аполлинария Васнецова  "Серый денек", которая демонстрировалась на IX выставке художников-передвижников.
Каждой новой картиной А. Васнецов утверждал в своих пейзажах и спокойно-суровое, и величественное изображение природы. Одно из лучших творений 1880-х – картина "Родина". Убогость небольшой деревеньки, что вросла в холмы и перелески переднего плана, уравновешивается открывающимися необъятными просторами, внушающими, пусть пока неосознанную, веру в достойное будущее. Подтверждением такой вот тихой любви к своей земле и восхищением ее дикой мощью стал уральский цикл художника. Полотна "Тайга на Урале", "Синяя гора", "Сибирь", "Кама", "Северный край", "Озеро" – поэмы о северных краях в красках, ставшие, возможно, высшим достижением живописца.
Понимая, что искусство не может стоять на месте, и принимая что-то из новых западноевропейских веяний, художник в главном до конца оставался верен традициям русских реалистов XIX столетия.
Сын священника, в сущности разночинец, мечтавший в своей юности о великих социальных переменах, не нашел точек соприкосновения с новой властью. Нет, он не отбыл в эмиграцию, но и не расточал в ее адрес хвалебных слов. Художник продолжал работать. Его картина "Шум старого парка" (1926) – настоящий шедевр. Картина-размышление, картина-прощание.
Глядя на картины Аполлинария Васнецова, сразу просыпается то уютное чувство любви к родному краю и русской природе, что дана нашей необъятной родине. Темные, широкие леса, просторные равнины, светлые каменные монастыри и деревянные деревенские домики, – все это наша страна, точно переданная кистью Аполлинария Васнецова.
Умер Аполлинарий Михайлович в 1933 году. Он был похоронен в Москве на Введенском кладбище.

Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, нера

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. 
В книге представлены живописные работы Виктора Васнецова на тему русских былин и сказок. Виктор Васнецов – великий русский художник, известный в основном полотнами на тему русских былин и сказок, человек, поддерживавший и несший по миру национальный дух. Его сказочные картины вовлекают в интереснейший мир, показывают переплетения добра и зла, хитрости и отваги. Тут и любовь, и страх, волнение в одном полотне. Великолепно исполненные, они не дают забыть свои корни и вселяют чувство безграничной любви к своей культуре.
Виктор Михайлович Васнецов (1848–1926), наверное, первым из великих русских художников своими былинными картинами и картинами-сказками входит в наше детство. Его "Богатыри", "Аленушка", "Иван-Царевич на Cером Волке", и далее "Витязь на распутье", "После побоища Игоря Святославича с половцами", "Спящая царевна" вводят нас в мир отечественной истории, русских сказок, мифов, волшебства и запоминаются нами на всю жизнь.
Рождение в семье сельского священника на земле Вятской (г. Вятка – ныне областной центр Киров) как бы предопределяло дальнейший жизненный путь Виктора Васнецова – обучение в духовной семинарии и, видимо, повторение пути отца. Однако уже во время учебы юноша помогал ссыльному польскому художнику Э.Ф. Андриолли расписывать вятский Александро-Невский собор.
Не окончив духовного заведения, в 1867 году Виктор с благословения отца отправился в Петербург для поступления в Академию художеств. Среди товарищей по учебе Виктор Васнецов был особенно близок с Ильей Репиным и Василием Поленовым.
Переезд молодого художника в Москву (1878) совпал с резкими переменами в содержании его творчества. К 1880 году жанровые сцены исчезают с полотен живописца. В. Васнецов обращается к эпосу, былинам, сказкам, истории страны. Появляется сказочно-реалистичный мир Виктора Васнецова, в котором хватило места героическим и тревожным, радостным и печальным страницам русской истории, русской жизни. При этом загадочность многих картин художника, явная и значительная символическая нагрузка, которую они несут, позволили многим искусствоведам отнести В. Васнецова к одному из родоначальников русского модернизма. "Три царевны подземного царства", "Сирин и Алконост. Песнь радости и печали" и другие картины художника – весомые аргументы для их выводов. Для Исторического музея в Москве Виктор Васнецов создает цикл картин "Каменный век", о котором наш крупнейший национальный искусствовед, критик и полемист XIX века В.В. Стасов написал: «Зато созданные им сцены “Каменного века” на стенах московского Исторического музея, как изображение из доисторической жизни племен, обитавших в древней России, – произведение превосходное, истинно монументальное во всех частях и подробностях. Никто в России еще никогда не писал что-нибудь приближающееся к этому громадному ряду сцен и картин, плоду великой творческой фантазии и глубокого научного изучения седой древности».
Виктор Михайлович Васнецов внес огромный вклад в мировую культуру, а еще был великим патриотом. Мысль богатыря русской живописи о сути национального искусства и в наши дни звучит на редкость актуально: «Мы только тогда внесем свою лепту в сокровищницу всемирного искусства, когда все силы свои устремим к развитию своего родного Русского искусства, то есть с возможным для нас совершенством и полнотой изобразим и выразим красоту, мощь и смысл наших родных образов – нашей русской природы и человека, нашей настоящей жизни, нашего прошлого, наши грезы, мечты, нашу веру и сумеем в своем истинно национальном отразить вечное, непреходящее».

Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.

Родившийся в семье сельского священника и учившийся в духовной семинарии Виктор Васнецов девятнадцатилетним юношей приехал из провинциальной Вятки (ныне город Киров) в российскую столицу. Одаренность к изобразительному делу и огромное желание учиться привели молодого вятича в петербургскую Рисовальную школу Общества поощрения художников. Его руководителем был прекрасный живописец И.Н. Крамской. Обучение Васнецова продолжилось в Императорской Академии художеств, которую он окончил в 1874 году.
К середине 1880-х годов в Киеве заканчивалось растянувшееся строительство собора Святого равноапостольного князя Владимира, воздвижение которого осуществлялось на народные пожертвования. Первым живописцем, к которому в 1885 году обратился археолог и профессор А. Прахов, возглавивший оформление и отделку собора, стал В.М. Васнецов. Виктор Михайлович к этому времени фактически не имел опыта подобных работ, поэтому он вынужден был отказать. Далее произошло таинство, которое определило судьбу будущих росписей храма.
В 1885 году во время одного из совместных посещений собора вице-губернатору Баумгартену и Прахову на недавно отштукатуренной запрестольной стене здания открылось видение Богоматери с Младенцем, которое Адриан Прахов сумел запечатлеть на листе бумаги. Примерно в то же время в один из вечеров на даче в Подмосковье Виктора Васнецова необычайно поразила поза его супруги с маленьким сыном на руках. Наверное, Васнецов не был бы художником, если бы не сделал рисунок столь мистической ассоциации. Живописец принимает решение об участии в росписях Владимирского собора и посылает телеграмму в Киев о своем согласии.
Позже, когда В. Васнецов знакомил А. Прахова с эскизом алтарного образа Богоматери, руководитель работ достал сделанный в памятный для него день набросок проступившего на штукатурке храма изображения – совпадение эскиза и рисунка было столь поразительным, что художник потерял на время дар речи. Впоследствии живописец скажет: «Это был заказ Божий».
Далее была подвижническая, в течение десяти с лишним лет работа Виктора Васнецова и его сотоварищей. Художник лично исполнил 15 композиций, написал 30 отдельных фигур, много других деталей, обязательных при подобных работах. Всего – около четырех тысяч квадратных метров были расписаны русским живописцем. Главными композициями В. Васнецова стали Бог Саваоф, «Единородный сын Слово Божие», Богоматерь с Младенцем, Распятый Иисус Христос, Христос Вседержитель, Страшный суд. Свои знания русской истории художник запечатлел в сценах, посвященных князю Владимиру и княгине Ольге (Крещение святого князя Владимира, Крещение Руси).
В последующие годы В.М. Васнецов иногда возвращался к работам религиозного содержания, но все же главным делом своей жизни сам Виктор Васнецов считал росписи Владимирского собора, и прежде всего изображение полной красоты, печали, озабоченности и любви Богоматери, идущей с желающим обнять весь мир Младенцем навстречу посетителям собора. Недаром образ, созданный художником, получил особое название – «Васнецовская Богоматерь». Виктору Михайловичу Васнецову приписывают фразу, которую он произнес после окончания работ во Владимирском соборе: «Я поставил свечку Богу. Может быть, свечка эта и из грубого воску, но поставлена она от души».

Богато иллюстрированный альбом познакомит с жизнью и творчеством крупного итальянского художника XVI века - Тинторетто.
Якопо Робусти, по прозвищу Тинторетто, родился в Венеции, в ней жил и творил всю жизнь. По некоторым сведениям, какое-то время обучался в мастерской Тициана. Но на его творчество, в первую очередь, влияли менее знаменитые мастера - Бонифацио, Порденоне и особенно Скьявоне. Отношение же к великому Тициану у молодого художника было достаточно сложным. С одной стороны, Тинторетто определил свое кредо так: "Рисунок Микеланджело, колорит Тициана". Но ко второй части девиза он относился с явно меньшим почтением. Широко известна шутка Тинторетто: "В живописи главное рисунок, а краски можно купить и в лавке".

Известность молодому мастеру принесло масштабное произведение "Чудо святого Марка", поразившее современников своим динамизмом и необычным ракурсом святого. Далее последовали иные картины на сюжеты из жизни святого Марка, а также впечатляющий цикл панно для здания Скуола ди Сан Рокко на темы из жизни Христа. В каждом из них живописец рисунком, светом и цветом стремится сосредоточить взгляд на главном. Как в работе "Христос перед Пилатом", где все подчинено фигуре Христа. Около десяти лет Тинторетто с группой своих учеников работает над масштабным творением "Рай", в котором действуют около пятисот персонажей. Большое произведение Тинторетто "Тайная вечеря" стало последним в творчестве. Оно словно подводило итог поискам художника и в жизни, и в живописи.

Серия "Большая художественная галерея" представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.

В этой книге содержатся полотна великого русского художника Валентина Александровича Серова, признанного гения портрета. Прекрасный мастер в передаче человеческих характеров, их настроений, Валентин Серов будто проникал в самые глубины сознания человека и саму душу переносил на холст. Непревзойденный, неповторимый портретист, заслуживший любовь и признание современников, он до сих пор вызывает восхищение.
Валентин Александрович Серов родился в семье известных музыкантов. Отец будущего художника - композитор и музыкальный критик А.Н.Серов умер, когда сыну было шесть лет. Мать, посвятившая много времени музыке, способствовала тому, чтобы сын, рано проявивший склонность к рисованию, получил достойное художественное образование. Поэтому семилетний мальчик начинает свои художественные университеты вначале в частной студии в Мюнхене (1872-1874), затем у И.Е.Репина в Париже (1874-1875) и в Москве (1878-1880).
Большая одаренность, раннее знакомство с современными течениями в живописи, различающиеся своими воззрениями на художественное творчество учителя (И. Репин и П. Чистяков) сделали из талантливого юноши универсального живописца, который своими произведениями являл переход русской живописи из века XIX в век XX. Первые работы В.А.Серова (а он начинал работать в портретном жанре, - Девочка с персиками, 1887, Девушка, освещенная солнцем, 1888) подтвердили широкие возможности художника. Впоследствии В.Серов проявил себя и как замечательный пейзажист, интересный театральный оформитель спектаклей, сильный график, но слава первого портретиста своего времени подтверждает, что наивысшие успехи художника связаны с этим направлением изобразительного искусства.
И успехи Серова-портретиста определились появлением на выставках этих прекрасных дебютных работ, которые и ныне остаются одними из самых популярных в русской портретной живописи конца XIX - начала XX века.
Хороши и другие ранние портреты, написанные В.Серовым, - Мазини (1890), К.Коровина (1891), И.Левитана (1894) и других. Художника интересует человек, его внутреннее творческое "я". Великолепен изображенный в свободной позе талантливый Константин Коровин - он и на портрете предстает раскрепощенным и уверенным в себе человеком. И.И.Левитану очень нравился свой портрет кисти Серова, хотя сам Валентин Александрович считал, что для него не во всех деталях раскрылся великий пейзажист. В 1900 году художник написал портреты двух императоров: Портрет Александра III с рапортом в руках и Портрет императора Николая II. Особое восхищение вызывают детские, трудные для качественного исполнения портреты - Дети (1899), Мика Морозов (1901).
Великолепен В.А.Серов и в своих пейзажно-бытовых работах. Не забудем, что В.А.Серов писал и на мифологические (например, Похищение Европы), и на исторические сюжеты (полная величия русского императора и общей динамики картина Петр I). Интересно, что В.А.Серова считали "своим" и представители "художников-передвижников", и члены общества "Мир искусства", и Союза русских художников, и других возникавших и исчезающих в небытие объединений мастеров живописи.
Портреты позднего периода творчества живописца: актрисы М.Н.Ермоловой (1905), известной покровительницы искусства Г.Л.Гиршман (1907), актрисы и танцовщицы Иды Рубинштейн (1910), княгини О.К.Орловой (1911) - показывают, что муки творчества продолжают терзать вроде бы всего достигшего художника. Быть может, они и стали причиной преждевременной кончины трудившегося до последних часов своей земной жизни В.А.Серова.

Серия «Большая художественная галерея» представляет наиболее известные картины великих отечественных и зарубежных художников. Удобный небольшой формат книги не мешает детальному рассмотрению полотен, представленных как полностью, так и фрагментарно. Издание подойдет любому работающему и затрагивающему в своей повседневности сферу искусства, а также каждому человеку, неравнодушному к живописи.

В книге содержатся шедевры одного из лучших русских художников-академистов, автора великого полотна «Последний день Помпеи», Карла Брюллова.
Карл Брюллов родился в Петербурге в 1799 году в семье академика орнаментальной скульптуры петербургской Академии художеств, скульптора в третьем поколении, француза по происхождению П.И. Брюлло. Отец был строгим воспитателем своих сыновей, хотел видеть их также художниками и неуклонно способствовал тому. Юный Карл уже в детстве проявил свой высочайший дар к рисованию, поэтому в десять лет был отдан на казенное содержание в Воспитательное училище при Императорской академии художеств (старшие и младшие братья Карла также учились в петербургской Академии художеств).
Карл Брюлло окончил Академию в 1821 году с большой золотой медалью и правом поездки за казенный счет за границу. При этом на всех этапах обучения Карл проявлял блестящие способности, создавая картины, например, Нарцисс, смотрящийся в воду (1819), вполне соответствующие присвоению академического звания.
После окончания Академии художник некоторое время работал в Петербурге, затем вместе с братом Александром отправился от Общества поощрения художников в Италию (перед поездкой братья по личному распоряжению императора Александра I добавили к своей фамилии окончание «-в», став Брюлловыми). В Риме художник много и плодотворно работает, копирует по заданию Общества ряд произведений старых мастеров, создает замечательные полотна: жанровые сцены («Итальянский полдень», 1827), картины на библейские сюжеты («Вирсавия», 1832), а также принесшие ему известность в Риме заказные портреты («Всадница», 1832). Став материально независимым от оплачивавшего поездку Общества поощрения художников, Карл Брюллов приступил в 1830 году к созданию своего главного, как выяснится позже, произведения о трагедии жителей города, разрушенного в результате извержения вулкана Везувий. Работа над картиной финансировалась известным российским богачом и меценатом А.Н. Демидовым. Художник много времени уделил изучению материалов о трагедии, побывал на местах раскопок и сравнительно скоро, в 1833 году, закончил «Последний день Помпеи». Полотно, в котором проявились талант и мастерство, трагизм и красота, живая убедительность происходящего в реальности, принесло Карлу Брюллову славу первого живописца России и западноевропейское признание.
Выставленная в парижском Салоне в 1834 году, картина Брюллова получила золотую медаль французской Академии искусств. В Петербурге появление картины вызвало всеобщее ликование и преклонение перед гением ее автора (картина была подарена А.Н. Демидовым Николаю I, который вскоре подарил ее Академии художеств). Именно тогда появились ставшие широко известными строки поэта Е.А. Баратынского: «И стал “Последний день Помпеи” для русской кисти первым днем!».
В дальнейшей работе в России К.П. Брюллов принимает участие в росписях Исаакиевского собора, а также проявляет себя как блестящий мастер портрета.
Став на непродолжительное время преподавателем петербургской Императорской академии художеств (в 1836 году художник был удостоен звания профессора Академии), К.П. Брюллов быстро завоевал авторитет у своих учеников. Говорили даже об особой «брюлловской» школе живописцев. Среди его учеников А. Агин, П. Федотов, Т. Шевченко и др. В 1847 году художник серьезно заболевает. Врачи настоятельно рекомендуют ему поездку для лечения за границу. С «Автопортрета» 1848 года смотрит больной, но не сломленный живописец. На следующий год К.П. Брюллов покидает Россию. Он лечится на острове Мадейра, путешествует по Испании. Поселяется в Риме. В местечке Манциана в 1